martes, 8 de mayo de 2012
lunes, 16 de abril de 2012
miércoles, 11 de abril de 2012
jueves, 29 de marzo de 2012
thaikouvsky
El compositor ruso eminente Pyotr Ilyich Tchaikovsky nació el 7 de mayo en 1840, Votkinsk; provincia de Viatka , en Rusia, ( Algunas personas dicen que el 7 de Marzo de 1840, otros en Abril, debido a la diferencia de calendario que se utilizaba en Rusia en esa epoca) . La primera mención de su participación con la música aparece en una carta de 1844 que informa que compuso una canción, "Mamá en Petersburg". En su casa, Tchaikovsky oyó canciones tradicionales, arias populares, y romances cantados por su madre, y por las partituras tocadas por un órgano , entre ellos extractos del Don Giovanni de Mozart. (Mozart seria para Tchaikovsky uno de sus compositores amados ). Las clases de piano, empezadas cerca de la edad de cinco, y continuadas en St. Petersburg, donde él entró internado en 1848.
Tchaikovsky era un niño demasiado sensible, irritable, y cualquier palabra que le sonara agresiva o hiriente, lo hacía reaccionar llorando desconsoladamente.
Tuvo un amor y apego a su madre casi enfermizo, y cuando lo llevaron a estudiar a otra ciudad, se dice que llorando amargamente, se aferro onloquecidamente a las ruedas del carruaje que los llevaría a él y a su hermano al internado.
Este hecho dramatico lo marco muchísimo en su vida, igual que la muerte de su madre, cuando tenía 8 años de edad. Quiza, este fuera uno de los motivos de su inspiracion a veces sombría, dramatica.
Otro gran drama en la vida de Tchaikovsky, fue su condicion de homosexual, que las mentes retrogradas, no aceptaban. Y esa condicion, lo hizo penar mucho. Pues intentaba por todos los medios, de que no se conozca tal inclinacion. Escribe a su hermano Modesto, tambien homosexual, el 10 de Octubre de 1876 escribe Tchaikovsky "hay personas que no pueden remediar el despreciarme a causa de mi vicio………. Deseo, por medio del matrimonio o de algún otro lazo público con una mujer, cerrar la boca de esas despreciables criaturas."
lunes, 26 de marzo de 2012
miércoles, 21 de marzo de 2012
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Historia de la música
Músicas primitivas. Grecia. Roma. Gregoriano. Románico. Gótico. Renacimiento. Barroco. Ópera. Zarzuela. Clasicismo. Romanticismo. Instrumentos
- Ficha del documento
- Historia de la música
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Introducción
En este trabajo conoceremos la Historia de la Música a través de los tiempos, y de su evolución e importancia en nuestra sociedad.
Viajaremos desde Oriente, pasando por la India y Europa conociendo las distintas épocas de la música clásica, opera y compositores mas famosos...
Conoceremos desde el simple sonido del tambor más prehistórico hasta la música con sintetizador más avanzado de nuestra época...
¿Qué es música?
Música es lo que usamos para describir las secciones de una composición musical extensa, generalmente de carácter instrumental.
Una dificultad importante a la que se enfrentaron los compositores de los siglos XV y XVI fue cómo hacer para que su música llegara más allá de la exposición de una melodía corta o de una idea musical. Una de las soluciones fue la forma de la variación, en la que el tema repetido está sometido a unas variaciones cada vez más elaboradas. Otra manera consistía en escribir dos piezas cortas que se debían tocar la una después de la otra. Uno de los rasgos dominantes de la música para virginales, laúdes y conjuntos de instrumentos fueron las parejas formadas por pavanas y gallardas.
A partir de estos ejemplos evolucionaría la suite del barroco, que básicamente consistía en un par de danzas pareadas como la alemanda (lenta), la courante (rápida), la zarabanda (lenta) y la giga. Estos cuatro movimientos formaban el esquema central de gran parte de la música instrumental, de cámara y orquestal, de Bach, Händel y sus contemporáneos.
El clasicismo, que vino a continuación en el siglo XVIII, se basaba menos en la elaborada polifonía del contrapunto que en la melodía, y se apoyaba en un sistema relativamente simple de acordes progresivos. Pero, aunque sencilla, las convenciones del clasicismo respecto a las progresiones armónicas le permitieron alejarse, sin esfuerzo alguno, de la tonalidad base mediante una serie de centros tonales de cambio, de una manera que se demostró grata al oído. Además, los cambios de tonalidad permitían a los compositores desarrollar el tema de forma más extensa dentro de un mismo movimiento, sin que la música aburriera.
Una sinfonía, una sonata o un cuarteto de cuerda de este periodo se compone en esencia de cuatro movimientos opuestos, cuidadosamente equilibrados para mantener la atención del oyente. El primer movimiento suele ser el más largo y puede tener una breve introducción. El segundo movimiento es por lo general el más lento, y suele estar escrito en una tonalidad diferente (aunque con una relación cercana. El tercer movimiento es un minué convencional, en compás triple, diseñado para introducir algún tipo de relajación y ligereza; mientras que el cuarto y último solía ser el más ligero y menos intenso de todos. A veces consistía de un tema con variaciones.
La mayoría de las sinfonías, sonatas y música de cámara de Haydn, Mozart y Beethoven se ajustan a este modelo de movimientos. En los siglos XIX y XX la estructura y el carácter de estos movimientos ha cambiado hasta tal punto que es casi irreconocible. Sin embargo, la división de una obra extensa o grande en movimientos separados sigue siendo un rasgo casi universal.
HISTORIA DE LA MUSICA
La prehistoria y las civilizaciones antiguas
Hace mas o menos 51 mil años o más nuestros antepasados inventaron la música. Los hombres primitivos tenían preocupaciones. Como no conocían la agricultura tenían que buscar sin cesar el alimento, mientras se defendían contra sus semejantes o contra los animales feroces. Eran a la vez cazadores y cazados, lo que les obligaba a desplazamientos continuos.
Un buen día el hombre descubre que puede imponer su voluntad a la naturaleza. Algunos animales buscan su compañía y aprenden a obedecerle; algunos vegetales comestibles se pueden plantar y de esta forma multiplicarse.
Entonces unas tribus nómadas descubren los encantos de la vida sedentaria. Se afincan en valles fértiles o fundan pueblos y luego ciudades. Están entre los años 10 mil y 5 mil AC.
Los pobladores de algunos valles; Tigris y Eufrates, Nilo, Río Amarillo... fueron los primeros en muchas cosas: metales, carros de ruedas, escrituras, artitmetica y música.
jjVerdadera música como hoy la entendemos.
Varias regiones fueron destruidas por cataclismos naturales, los libros antiquísimos hablan de ello, es El Diluvio del que habla La Biblia. Quizás se trate de inundaciones catastróficas provocadas por los grandes ríos pero no por eso menos devastadoras. Ciudades enteras fueron destruidas con sus habitantes y sus tesoros. En cambio se han encontrado instrumentos de música, escritos, esculturas de la época que siguió al Diluvio, etc.
Los que escaparon del Diluvio entre el Tigris y el Eufrates tocaban la flauta de plata, el arpa, la lira, el tambor o el laúd.
La música en Egipto
En Egipto, tierra de las pirámides y la esfinge, la música es un misterio. Se admite su influencia sobre la cultura musical griega y la existencia de indicios sobre instrumentos conservados. Se deduce que los egipcios poseían instrumentos de cuerda viento y percusión ya que se encontraron en algunas tumbas faraónicas figuras de flautas.
Empleaban el movimiento de la mano, para indicar la ondulación melódica marcaban el ritmo con palmadas, cistros platillos y tambores. También para indicar la marcha de la melodía se valían de movimientos de las manos.
La música se la asignaba con una doble posibilidad, por un lado la capacidad de motivar en el hombre una sensación (gozo y alegría) y por otro lado el de crear sensaciones de naturaleza mística y mágica.
La música en la antigüedad consistió en la exteriorización de los sentimientos del hombre a través del sonido de su propia voz.
Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos.
Los diferentes instrumentos musicales primitivos están clasificados en:
-
Auto fonos: Aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están construidos.
-
Membranofonos: Serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre, por ejemplo tambores hechos con una membrana tirante sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia.
-
Cordonofonos: De cuerda, por ejemplo el arpa.
-
Aerofobos: El sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire.
Uno de los primeros instrumentos fue la flauta, construida con un hueso con agujeros.
La música en Grecia
Los griegos componían música sobre la base de tipos de música ya consagrados o sea: no creaban música.
Solían agregarle un determinado esquema musical a diferentes poesías o alteraban su ritmo dando nacimiento a otras obras musicales.
Tenían géneros melódicos muy variados:
ð Prosodia: canto entonado cuando la procesión se dirigía al templo.
ð Hipoquerma: melodía asociada a movimientos corporales propios de danzas griegas.
ð Ditirambo: canción en honor de Dionisio o Baco (Dios del Vino)
ð Pean: himno en homenaje a Apolo.
ð Treno: canto fúnebre y doliente creado por Linos.
ð Elegía: carácter triste.
ð Himeneo y Apitalemio: carácter alegre para el casamiento.
Sobre la base de estos géneros se elaboro toda la música lírica en Grecia, pero se fueron introduciendo otros géneros líricos como:
ð Dafneforicas: entonados por portadores de laurel.
ð Oscoforicas: entonados por quienes llevaban una rama de vid.
ð Tipodeforicas: entonadas por 2 personas que cargaban tripodes.
El sistema musical se nutrió de los principios de Pitágoras.
Los antiguos griegos dividían el marco melódico en 2 cuartas. En las celebres fiestas nacionales se organizaban procesiones en las cuales se danzaba y cantaban ditirambos.
En las representaciones teatrales el coro era un personaje importante en las tragedias griegas.
La música en Roma
Roma conquisto militarmente a Grecia pero el vigor y el esplendor de la civilización griega domino al nuevo imperio. Las artes, las ciencias, la filosofía pasaron a integrar el pensamiento romano.
La tragedia y la música griega se afincaron en la península desarrollándose a la manera romana, tomando características que en muchas oportunidades desvirtuaron el significado estético que la música había alcanzado entre los griegos.
En Roma tuvieron gran auge las fiestas musicales consistentes en brillantes cortejos formados por centenares de músicos y coros inmensos que recorrían la ciudad.
De todos los ámbitos del Imperio acudían a Roma los “músicos virtuosos”, verdaderos showman a quienes interesaba brindar un espectáculo lleno de excentricidades. Había celebres artistas que se hacían pagar muy bien y que llevaban una vida de lujo. Entre los mas famosos sobresalieron los griegos como Ternos, gran citarista y maestro de Nerón, Polon, etc.
En los teatros romanos edificados a la manera griega se comenzó a representar “ comedias”, siendo los principales autores Plauto y Terencio.
La Tragedia no tuvo mucha aceptación su principal cultor fue Seneca. Entre las obras del filosofo quedaron algunas como Medea, Las Troyanas y Agamenon.
Los romanos utilizaron instrumentos de distintos pueblos de la antigüedad. Roma tuvo bajo su poder a pueblos enteros que a su vez aportaron sus tradiciones al mundo romano.
Los instrumentos solistas más importantes fueron: la lira, la citara, el aulos, el oboe, el cerni, también los platillos y los timbales.
El pueblo romano se preocupo por la música y el lenguaje, por ejemplo, algunos oradores estaban acompañados por un flautista.
La música en la Edad Media
La música en la edad media se divide en el Periodo Patristico (hasta el año 840). En el Romántico (año 840 hasta el año 1250 en el siglo XII).
En el Gótico (1250 a fin de la edad media y 1453, fines del siglo XV).
En el Periodo Patristico apareció la Era Cristiana y la Era Media, en esta ultima la historia de la música se encuentra íntimamente ligada a la forma en que se desarrollo la liturgia cristiana, ya que se consideraba a la música el vehículo por medio del cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios.
Las diversas formas musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron enfrentar la existencia de textos y melodías profanas que trataron de penetrar en los oficios religiosos.
Los personajes de la música profana dedicados a la disposición de esta música fueron:
ð Juglares: músicos ambulantes y plebeyos que divertían en fiestas y castillos.
ð Los Trovadores: pertenecían a la nobleza y eran músicos y poetas que inventaban rimas y ritmos.
ð Los Bardos: antecesor de los trovadores que cantaban proezas de sus héroes valiéndose del laúd.
ð Los ministeriles: Verdaderos productores musicales que administraban música y formaban corporaciones o gremios dedicados a brindar espectáculos musicales.
En el año 374 a 397 San Ambrosio reunió aquellos signos que debían ser aceptados en un credo antifonario naciendo así el Canto Ambrosiano.
En el 540 al 604 San Gregorio Magno recopila himnos eliminando los que tenían origen popular o pagano, dando nacimiento al Canto Gregoriano.
Desde su nacimiento la música cristiana fue una oración que se tenia que cantar con devoción tal como lo decía San Pablo “Cantando a Dios con vuestro corazón”, así pues el texto es la razón de ser del canto gregoriano ya que “el que canta reza dos veces”.
La melodía del canto gregoriano asimila 3 estilos diferentes:
ð El Silábico: cada nota representada por una silaba.
ð El Neumasico: una misma silaba corresponden a 2, 3 ó 4 sonidos diferentes.
ð Las Secuencias: intercalación de un texto en las notas del aleluya.
El texto es el que da sentido a la melodía y no se puede concebir el canto gregoriano sin texto, lo que quiere decir que al interpretar el canto gregoriano, los cantantes han tenido que entender muy bien el sentido del texto.
Esta música se canta a capella sin acompañamiento instrumental, se canta al unísono o lo que es lo mismo todos los cantores entonan la misma melodía.
A esta forma de canto se le llama Monodia. Se canta con ritmo libre.
Notación Gregorianas
Notas simples
Virga Punctum Quadratum Punctum Inclinatum
Neumas Simples
Pes (podatus) Clivis
Torculus Porrectus
Climacus Scandicus
Salicus
Neumas compuestos
Se forman por la unión de neumas simples por una sola sílaba
Flexus: cuando se complementan con notas descendentes
Resupini: cuando se complementan con notas ascendentes
Praepunctis o subpunctis según contengan notas antes o después:
Praepunctis Subpunctis
ALTURA DE LOS SONIDOS
La altura de los sonidos viene indicada por la colocación de las notas al tetragrama con la posibilidad de utilizar líneas adicionales inferiores y superiores.
Las claves utilizadas son de Do (C) y FA (F) que pueden estar en 2ª. 3ª. o 4ª. Línea.
Clave de DO (C) Clave de FA (F)
La extensión posible de los sonidos es:
SIGNOS DE PAUSA.
Los signos de pausa, originados por la estructura del texto, son:
a) Línea divisoria mínima, que separa los incisos o partes menores en que se divide el texto; no implica respiración.
b) Línea divisoria menor, que separa los miembros de la frase. No son más que incisos de más amplitud. Casi siempre implica respiración.
c) Línea divisoria mayor que separa les frases: Equivale a un silencio con una durada de nota simple y obliga a respirar.
d) Línea divisoria doble, que indica más sentido conclusivo o también final de la composición, equivale a silencio de nota simple, a veces un poco más prolongado.
OTROS SIGNOS
E1 guiones un signo que va al final de cada tetragrama, para indicar que nota es la inicial.
El si bemol
El canto gregoriano es música modal, se utilizan varias escalas o modos de sonidos muy particulares, sirven para despertar diferentes sentimientos como: alegría, tristeza, serenidad, etc. Esto es consecuencia de la colocación de los semitonos dentro de las escalas.
ð Guido D'Arezzo dijo: “El primero es grave, el segundo es triste, el tercero místico, el cuarto armonioso, el quinto alegre, el sexto devoto, el séptimo Angélico, y el octavo perfecto”.
ð Adán de Fulda los comenta: “El primer modo se presta a todo sentimiento, el segundo es apto para las cosas tristes, el tercero es vehemente, el cuarto tiene efectos tiernos, el quinto conviene a los alegres, el sexto a los que tengan piedad, el séptimo pertenece a la juventud y el octavo a la sabiduría”.
ð Juan de Espinosa, autor del siglo XVI, comenta: “ El I es alegre y muy hábil para suavizar pasiones de animo...; grave y llorón es el II, muy apropiado para provocar lagrimas...; el III es muy eficaz para incitar la ira...; mientras que el IV coge toda la alegría y incita a gozar de las cosas...; el V causa alegría y placer a los que están tristes...; llorica y piadoso es el VI...; placer y tristeza se reúnen en el alegre VIII...”
LOS MODOS GREGORIANOS
La única escala diatónica que se utiliza en el Canto Gregoriano, es:
No todas las melodías cogen toda la extensión: algunas se mantienen en la octava inferior (de La a La), otras en la central de (Mi a Mi) y otras en la superior (de Sol a La). En cada una estas octavas, los SEMITONOS a más o menos distancia de la nota final, con lo cual tenemos un elemento fundamental para entender los Modos.
Para los Greco-romanos, la octava que conocemos hoy en día no existía. Eran más bien dos tetracordios separados:
Do, re, mi, fa
sol, la, si, do.
El Tetracordio: es considerado como la base modal, el primer elemento completo o núcleo generador de toda la melodía.
Las escalas tienen una quinta central a partir de la nota tónica, llamada también final, más tres sonidos, que pueden estar en la parte superior, y en este caso se llaman modos auténticos (agudos), o en la parte inferior, y entonces se llaman modos plágales (o graves).
l nombre de los modos 
Existe una tónica en la cual, si bien no siempre comienza la melodía, normalmente acaba y descansa. Las tónicas pueden ser: Re, Mi, Fa y Sol. A más a más en cada modo hay una nota Dominante, llamada así porque la melodía se mueve sobre ella con relativa frecuencia, les dominantes son:
| MODO | I | II | III | IV | V | VI | VII | VIII |
| DOMINANTE | RE | FA | SI-DO | LA | DO | LA | RE | DO |
La melodía es silábica a cada sílaba del texto le corresponde un sonido y es melismática cuando a una sílaba le corresponde varios sonidos.
Hay melismas que contienen más de 50 sonidos por sílaba. El texto es en latín, lengua del Imperio romano y extendida por Europa, los textos se cogen de los salmos, del Antiguo Testamento, de los Evangelios y otros eran de inspiración propia, generalmente, anónimos.
El canto gregoriano está escrito sobre tetragramas, es decir sobre 4 líneas, las notas se denominan punto cuadrado (punctum) o virga si aparecen solos, o neumas si aparecen agrupados.
EL ESCENARIO DEL CANTO GREGORIANO
El canto gregoriano nació para ser interpretado dentro de la Liturgia de la Iglesia, la Liturgia es su escenario natural.
La Misa.
1.La Misa: En la celebración de la Eucaristía hay dos grupos principales de piezas:
a) El ordinario: Está formado para textos que se repiten en todas las Misas.
- Kyrie Eleison
- Gloria in excelsis Deo
- Credo
- Santo y Benedictus
- Agnus Dei
b) El Propio: Está formado por piezas que se cantan según el tiempo litúrgico o según la fiesta que se celebra.
- Introito: canto de entrada para iniciar la celebración
- Gradual o Aleluya o Tracto: después de las lecturas
- Ofertorio para acompañar la procesión de las ofrendas
- Comunión
La Polifonía.
Hacia finales del siglo IX y principios del X se producen 2 hechos de gran trascendencia desde el punto de vista musical nacidos para dar mas riqueza al canto gregoriano:
ð Los primeros indicios de polifonía.
ð Los tropos y las secuencias.
La polifonía era una nueva técnica musical resultante del cruzamiento de varias voces, según reglas y esquemas armónicos. La música polifónica tuvo origen en el canto gregoriano, o sea que el tema de un canto litúrgico se tomaba como base superponiéndole otro nuevo.
ð El Organum: forma mas antigua de la polifonía que se conoce y tiene por base la superposición de voces a distancia de cuartas o quintas.
ð El Discantus: Las voces o melodías realizaban movimientos contrarios en lugar de movimientos directos.
ð El Conductus: Con su aparición los compositores tienen una mayor libertan en su creación, sin sujetarse a la melodía base.
ð El Gymel: las voces o melodías se movian en distancia de terceras solamente comenzando y concluyendo en el unison.
ð El Faux-bordon: Procedimiento musical en el cual las voces se disponían en intervalos de tercera y sexta.
Con la aparición del conductus y con los organums de perotin que ya tienen cuatro voces, se abren caminos a nuevas combinaciones de polifonía medieval hasta culminar en la forma del Motete. La palabra Motete deriva del francés Moté (texto).
La voz principal es el tenor y se va renovando con las otras voces con variantes y diversos desarrollos.
Es condición esencial del motete que sus voces canten simultáneamente al menos dos letras.
Aunque nació de la liturgia poco a poco se va aliando cada vez mas con los rasgos melódicos de las canciones de los trovadores, marcando así la primera aparición de un arte polifónico profano lleno de vida.
La lengua empleada en el motete era el latín para el teros y otras dos voces en francés.
La música en el Renacimiento
El termino Renacimiento no es muy adecuado para la música ya que no hay ninguna rutura con la etapa anterior si no una evolución estilística; Es mas bien un termino cronológico que nos sirve para hablar de la música de los siglos XV y XVI.
El espíritu del renacimiento nace en Francia y se extiende hacia Italia. A partir de la primera mitad del siglo XV se olvida el espíritu feudal. Los pintores descubren la perspectiva, los arquitectos dejan que entre la luz en las casa, y se construyen calles y plazas como si estuvieran pensadas por los poetas y músicos.
Los artistas del renacimiento trabajan para ser perfectos en su ciencia.
¿Pero que renace?, Lo que se pretende renacer es la civilización antigua después de un largo periodo de barbarie también llamado edad media.
El hombre vuelve a mirarse a si mismo, a la naturaleza que lo envuelve y a buscar las fuentes de la cultura clásica.
Los centros de producción artística ya no son los monasterios si no los círculos artísticos, las cameranas, alrededor de las cortes de los nobles que se convierten en los grandes centros de las artes.
La imprenta existía desde hace medio siglo pero todavía no se había conseguido imprimir música de buena calidad para poderla comercializar.
Va a ser durante el año 1501 cuando se va a publicar por primera vez una colección de 94 obras polifónicas. Esta etapa va a ser muy importante en la historia de la música.
En Italia, Francia y los Países Bajos, se publican numerosos libros de música.
Unos de los primeros músicos del renacimiento fue Guillaume Duffay, después de él, el siguiente gran genio de la música es Josquin des Prés. Su importancia musical a través de los siglos es tan solo comparable con la de Mozart.
La música que se publica es la de Josquin y la de sus contemporáneos, también sus canciones. No son canciones como las de hoy DIA, si no canciones polifónicas y algunas tan complejas como las misas.
Como no todo el mundo es capaz de interpretar esta música y como a la mayoría de los aficionados les gustaría tocar esta música, ellos solos, se publican arreglos para laúd, o para una sola voz acompañada de laúd.
Laúd
Gracias a la música impresa el siglo XVI es la época de la historia en la que ha habido mas numero de buenos músicos aficionados. En las clases acomodadas, que desgraciadamente son las únicas que pueden comprar estos bonitos y caros libros, la música forma parte obligatoria de la cultura general. Todo el mundo sabe cantar o tocar uno o dos instrumentos y también descifrar la música. Cuando sus amigos vienen a cenar se les invita a formar parte de la orquesta familiar.
Los pobres compositores no se hacen ricos y la música no es un objeto que se venda como si fuera un cuadro. El salario anual del músico mas grande ni siquiera iguala el precio de una obra de un pintor ilustre.
A pesar de esto algunos músicos se hacen famosos gracias a la edición de su música, este es el caso de Clement Janequin, director del coro de la catedral d'Angers, quien se dio a conocer por sus numerosas canciones francesas. Algunas son fáciles y bonitas como canciones populares y otras son verdaderas escenas animadas a cuatro o cinco voces por ejemplo “La Guerree”.
Durante la segunda mitad del siglo XVI los italianos dominaban el mundo artístico. El Madrigal era sinónimo de canción a Francia. Es música de cámara, tan solo para unos cuantos cantores e instrumentistas, todos sentados alrededor de una mesa. No es música coral.
El mas grande de los compositores italianos es sin lugar a dudas Claudio Monteverdi. Su genio sobrepasa todos los modelos y hace brillar la polifonía. Va a ser al mismo tiempo el mejor compositor tradicional y el mejor compositor de vanguardia de su tiempo.
Los últimos libros de Madrigales que compuso son fascinantes, algunos son cantatas y escenas de opera.
Con el siglo XVI la música polifónica llega a su cima, con una inaudita complejidad y perfecta armonía. No obstante a fuerza de ir ligando las voces ya no se entienden las palabras. Los poetas de la música tienen la impresión de cansarse para nada.
Algunos compositores como Josquin des Pres, Orlando de Lassus, Giovanni Palestrina, Tomas Luis de Victoria escribieron misas y motetes que son la culminación del arte del Renacimiento
Johann Sebastián Bach (1685-1750), fue un músico alemán, quien fue como todos los músicos de su tiempo, legado a los príncipes de las pequeñas cortes alemanas. Bach no pudo imponerse como compositor ya que se le consideraba un virtuoso del órgano.
Las bases de su técnica musical se hallan en el aprovechamiento de todos los logros anteriores, y especialmente en el enriquecimiento de la antigua polifonía: la fuga llega a su punto culminante.
La música en el Romanticismo
La palabra Romántico comenzó a utilizarse hacia mediados del siglo XVI. En los últimos años del siglo XVII, comienza como una reacción contra el clasicismo.
Dentro de los conceptos de un alto idealismo, el romanticismo no solamente acepta si no alienta la sobre posición de extremos opuestos: amor a la soledad del individuo y a la vez amor al prójimo; un disfrute de lo exótico junto a una nostalgia por lo familiar; una afición a lo novedoso y al desarrollo junto con ansia por el pasado.
El romanticismo es claramente universal y de todo los tiempos y no puede limitarse a solo un periodo de la historia. Por una parte, la nueva sociedad del siglo XIX, hija de las ideas de la revolución francesa, desea liberarse del pasado y, así, conseguir un arte que exprese el comportamiento y las ideas de su tiempo.
A medida que avanza el siglo XIX, hay una gran influencia, que va creciendo, cada vez mas, de la literatura en la música: en Alemania los poemas de Wolfgang Von Goethe y Friedrich Von Schiller, fueron utilizados por Schubert, Schumann, Brahms, etc., para producir una de las manifestaciones musicales-poéticas mas importantes de todos los tiempos, el Lied Alemán. Asimismo escritores franceses y británicos fueron los inspiradores de diversas obras de Beethoven, Berlioz, Verdi y otros.
El romanticismo supone el desarrollo de los nacionalismos. Esto se nota en la acentuación de las diferencias entre los estilos musicales nacionales, y llego a venerarse a la canción popular como expresión espontánea del alma nacional.
También aparece el drama musical. Hay un sentido profundo y definitivo del “colorido” sonoro, lo que permitirá enriquecer el vocabulario musical con los medios que transformaran y ampliaran el arte sinfónico de los tiempos modernos.
El siglo XIX será el siglo del Piano, gracias a sus posibilidades polifónicas, sonoras y de virtuosismo extraordinario.
El Lied
Los rasgos románticos comenzaron a aparecer en el Lied Alemán hacia fines del siglo XVIII. Se desarrolla un tipo nuevo de canción, la balada (poemas largos que alternaban la narración y el dialogo con historias llenas de aventuras). La influencia de la balada tuvo por efecto la expansión del concepto de Lied, tanto en su forma como la amplitud y fuerza de su contenido emocional. La parte de piano se elevo de simple acompañamiento a una posición de acompañante de la voz. Hacia comienzos del siglo XIX el lied, se había convertido en un vehículo apropiado para el máximo despliegue de facultades de cualquier compositor.
El caso de Franz Peter Schubert (1797-1828), es único en la historia de la música. Antes de cumplir los 20 años ya había escrito 8 operas y 4 misas. Su producción es enorme: se le conocen 1270 obras compuestas: 9 sinfonías, 22 sonatas para piano, unas 35 obras de cámara, 6 misas, 17 obras del genero operístico y mas de 600 Lieder.
Ludwig Von Beethoven(1770-1827), compositor alemán, de gran importancia en la música. Su carácter arisco e independiente le hacia vivir replegado en si mismo su pesimismo se refleja en el “testamento de Heiligenstadt”, Beethoven escribió música instrumental, vocal y para el teatro, entre sus obras mas destacadas se encuentran la Sinfonía nro 3 llamada “Heroica”, la nro 6 llamada “Pastoral”, La misa Solemnis y otras muchas obras, hasta un total aproximado de 260. Con Beethoven la música deja de ser una diversión aristocrática y se dirige al conjunto de la humanidad.
Robert Schumann (1810-1856), este compositor alemán fue uno de los máximos exponentes del movimiento musical romántico del siglo XIX.
Una lesión en la mano derecha desbarato su carrera como concertista de piano. Se dedico entonces a la composición y a escribir sobre música.
La música para piano de Schumann, aunque dista de ser fácil de ejecutar, jamás trata de impresionar al oyente mediante su bravura. Su música encarna mas plenamente que la de cualquier otro compositor, las profundidades, contradicciones y tensiones del espíritu romántico. Sus obras para piano son colecciones de piezas cortas en las que una pequeña idea deriva en la creación de toda la obra a través de una sencilla organización; ejemplo de estos son: “Mariposas”, “Escenas de Niños” y “Álbum para la juventud”.
Federico Chopin (1810-1849), compositor y pianista polaco, considerado como uno de los mas grandes compositores de música para piano. Comenzó a estudiar piano a los 4 años. También fue precoz como compositor, donde destaco con sus piezas cortas tales como: Mazurkas y Polonesas.
Chopin, a cada pieza, por corta que fuera, le dedicaba extrema atención, asegurándose de que cada nota tuviera una función y significado específicos.
Música de Camarada
Félix Mendelssohn (1809-1847), este músico demostro ser un genio precoz, a los 16 años Mendelssohn produjo sus primeras obras: el rondo capricioso para piano y el octeto para doble cuarteto de cuerda, al año siguiente, “Sueño de una Noche de Verano”. La obra que contiene su famosa marcha nupcial la compuso 17 años después.
Como pianista y director realizo giras por Europa, sobre todo por Inglaterra. Trabajo como director musical.
Cesar Franck (1822-1890), compositor y organista nacido en Bélgica, donde estudio en el conservatorio, para pasar luego al de Paris, donde realizo toda su carrera musical.
Su obra se caracteriza por el uso de las formas clásicas, entre ellas la sinfonía y las sonatas. Franck fue el fundador de la música de cámara francesa moderna y su principal obra en este terreno, es la muy conocida sonata para violín en La mayor.
El poema Sinfónico
Franz Liszt(1811-1886), pianista y compositor de origen hungaro, fue el precursor del recital para piano, tal como lo entendemos hoy, en el que un solo artista toca una velada completa. Recorrió Europa en gira de conciertos y consiguió una fama sin precedentes. Fue director musical, maestro, compositor, incluso llego a estudiar teología.
El nombre de poema sinfónico es significativo: estas obras son sinfonicas, pero Liszt no las denomino sinfonías, quizás por que son breves y no están divididas en movimientos separados en un orden convencional.
Sus mas conocidos poemas sinfónicos son: “Orfeo”, y “Hamlet”.
Su obra maestra, la sinfonía de “Fausto”, consta de 3 movimientos, con un final para tenor solista y coro masculino.
La Sinfonía
Guyanés Brahms (1833-1897), compositor de origen alemán, cuyas obras combinan lo mejor de los estilos clásico y romántico. Brahms era especialista en el piano. Su principal interés como compositor comenzó por concentrarse en el piano.
El enfocaba la composición de una sinfonía con gran cuidado y reflexión. Sus sinfonías son clásicas en varios aspectos, están expuestas de 4 movimientos.
Las sinfonías son románticas en su lenguaje armónico y en su sonoridad orquestal, plena y multicolor.
Héctor Berlioz (1803-1869), compositor francés, quien a lo largo de su vida hizo varias giras por Europa y Gran Bretaña, como director de orquesta. Fue maestro de toda una generación de músicos y se convirtió en el primer director de orquesta virtuoso.
Berlioz enriqueció la música romántica con nuevos recursos de armonía, timbre, expresión y forma.
La opera en el siglo XIX
Francia
La Grand Opera
A partir de 1820, nació un nuevo tipo de opera, destinado a atraer a los públicos relativamente incultos que llenaban los teatros en busca de emociones y entretenimiento. Los rasgos fundamentales de La Grand Opera quedan delineados así:
ð Argumento histórico no áulico: con fuertes vetas romántico-populares.
ð Trama poli céntrica: variedad de situaciones, e incluso de estilos.
ð Grandiosidad orquestal y coral.
ð Duración de la opera de 5 actos.
ð Costumbre de acabar el penúltimo acto con un “falso” final feliz.
ð Concluir el ultimo con el final trágico.
La Opera Comique
Este tipo de opera, siguió su curso en Francia durante el periodo romántico, la diferencia entre la gran opera y la opera comide fue que la segunda utilizaba el dialogo hablado en lugar del recitativo, y en que era menos ambiciosa: exigía menor numero de cantantes instrumentistas, y estaba escrito en un lenguaje musical mas sencillo.
La Opera Lírica
La opera lírica, era el tipo romántico de la opera cómica. Su atractivo principal se ejerce a través de la melodía, su tema es el drama o las fantasías románticas.
George Bizet (1838-1875), fue un compositor francés muy conocido por sus operas. Una de las mas famosas es “Carmen”. Esta opera ejemplifica un rasgo que recorre todo el periodo romántico, el del exotismo.
Italia
A pesar de la enorme repercusión de Beethoven en la música instrumental, durante los primeros años del siglo XIX, es la opera italiana la que domina Europa. La distinción entre opera seria y opera buffa se mantuvo con bastante claridad hasta muy entrado el nuevo siglo.
Dentro de este ambiente, la figura mas resaltante es la de Giaccomo Rossini (1792-1868).
Su fama creció por toda Europa. En su música se fusionan la expresión lírica y la necesidad dramática, con melodías cristalinas, una instrumentación orquestal llena de colorido y un ritmo contagioso.
Rossini utilizo el Bel canto para crear melodías alegres de gran brillantes y emotividad. Algunas de sus operas mas famosa son: “El Barbero de Sevilla”, “La Cenerentola”, etc.
Uno de los compositores italianos mas prolíficos del segundo cuarto del siglo fue Gaetano Donizzeti (1797-1848). En general sus operas cómicas resisten mejor que las serias, las pruebas del tiempo. El carácter rudo, primitivo e impulsivo de su música, se adapta muy bien a la representación de situaciones cruzadas y melodramáticas, pero sus obras resultan frustradas con harta frecuencia por la monotonía de su armonía, su ritmo y su orquestación.
Dentro del mismo genero, surgió en Italia otro gigante que llevo a la opera a una nueva cúspide: Giuseppe Verdi (1813-1901). Su trayectoria constituye prácticamente la historia de la música italiana, en la primera fase de su vida musical, se manifiesta el don de Verdi para producir melodías conmovedoras y crear situaciones trágicas y heroicas. En su segundo periodo produjo 2 operas de importancia: “Macbeth” y “Luisa Miller”.
En su tercera fase se traslada a Paris, donde compone gran cantidad de operas. Con “Aida”, cierra esta tercera fase de creatividad. Con la famosa “Otello” abre su cuarta y ultima fase.
Verdi transformo la opera italiana y actualmente sus operas se encuentran entre las mas representadas en todo el mundo.
Alemania
Una de las características del siglo XIX, fue la fuerte influencia mutua ejercida entre la música y la literatura, y puesto que Alemania era el país en que el romanticismo florecio con mayor intensidad, algunos de los desarrollos y ramificaciones mas importantes de todo el movimiento se exhiben en la opera alemana.
El compositor mas destacado de la opera alemana y una de las figuras mas importante en la historia de la música del siglo XIX fue Richard Wagner (1813-1883). La importancia de este compositor es triple: llevo a su máximo la opera romántica alemana; creo una forma nueva, el drama musical; y el lenguaje armónico de sus ultimas obras llevo hasta el limite las tendencias románticas.
En “Tristan und Isolde”, el desarrolla un estilo orquestalmente mas rico, melódicamente mas cromático, y logra una tensión armónica nunca antes alcanzada en la música.
La obra de Wagner afecto a toda la opera subsiguiente. Por encima de todo, su música se impuso por que, era capaz de sugerir, suscitar o crear en sus oyentes un estado total de éxtasis.
Postromanticismo
Los finales del siglo XIX, y los comienzos del siglo XX fueron testigos de las ultimas etapas del romanticismo, y de la transformación del lenguaje romántico en el nuevo lenguaje musical. Este movimiento se produjo principalmente en Alemania. Sin embargo dos fuerzas desafiaban la posición musical en Alemania. Una era el nacionalismo, y la otra era el surgimiento de una nueva escuela de composición en Francia. Los últimos 30 años del siglo XIX fueron relativamente pacíficos en Europa, el comienzo del siglo XX se caracterizo por un creciente desasosiego social y un aumento de la tensión internacional (La Primera Guerra Mundial).
En el reino de la música hubo tensiones e inquietudes similares, y durante estos años, concluyo el periodo clásico-romántico.
Uno de los rasgos característicos de este periodo en Alemania fue una resurrección del interés por la opera sobre el cuento de hadas.
Richard Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta alemán, y uno de los orquestadores y polifoniotas modernos mas excepcionales. Su obra puede dividirse en 3 periodos: en el primero creo su Sonata para violoncelo y piano.
En el segundo periodo perfecciono el poema sinfónico y creo su famosa obra “Don Juan”, al tercer periodo pertenecen sus operas “Salome” y “Electra”.
La Música en el Siglo XX
Para comprender la música en el siglo XX, es importante acercarse primero a la del siglo XIX, y en especial a una corriente llamada impresionismo. Esta corriente supone una autentica liberación, se va a luchar por una música mas individual y personal, saliéndose para ello de las normas establecidas, la música impresionista pretende destacar el impacto que provoca la obra al ser escuchada. Se aplican nuevos acordes, colores y sonoridades. En esta música el sonido va a constituir el alma de la música.
Claudde Debussy (1862-1918), genero ideas completamente nuevas en la forma, la orquestación y fue uno de los renovadores mas eficaces de la historia de la música en el mundo occidental.
A partir de la ruptura que supuso el impresionismo, el panorama artístico europeo, lo mismo en arte que en música va a cambiar enormemente. Cada músico tiende a crear su arte independiente, además los diversos estilos se Irán sucediendo a gran velocidad.
Igor Stravinsky (1882-1971), una de las figuras mas importantes del siglo XX. Toco en su obra los aspectos mas variados, investigo en todos los aspectos de la música, se subió al carro del neoclasicismo donde trata de acomodar su música a la de la finales de barroco.
Si hay algo que caracteriza al siglo XX es la ruptura con la tonalidad “Atonalismo”. Esta regla consiste en crear una música completamente distinta, obviando las reglas que rigieron durante siglos de ceñirse a una tonalidad. Primero se rompe con la armonía, luego con la melodía, el ritmo y con todo lo establecido.
Bela Bartok (1881-1945), músico hungaro, es uno de los músicos que mas va a influir en la música del siglo XX. Bartok consigue unir la música moderna con la tradicional, creando un lenguaje nuevo.
Mientras tanto en Italia aparecen una serie de músicos que incorporan a su música, nuevos objetos sonoros: la incorporación de ruidos. Esta corriente se llamo Futurismo y afecto tanto a la música como a la literatura y al arte. El futurismo pone como punto de partida el ruido, no el sonido.
En Francia mientras tanto, surgió paralelamente el Bruitismo (del francés Bruit, ruido), que parte de ese mismo punto.
La música después de la Primera Guerra Mundial
Después de la 1ra Guerra Mundial, surge una nueva actitud que domina el campo artístico en las siguientes dos décadas. Sus características son la claridad, la objetividad y el orden. Surge un deseo de evitar los excesos del romanticismo tardío o postromanticismo.
Algunos de los mas importantes músicos de esta época fueron: el músico ruso Stravinski y el músico alemán Schoenberg.
Entre los músicos ingleses con mas talento que surgió en la década de los 30's se encontraba Britten, quien desarrollo su estilo, caracterizado por un eclecticismo claro, con una técnica muy segura y expresiva.
En Estados Unidos, los años que siguieron a la 1ra Guerra Mundial, fueron testigos de la aparición de la primera generación de compositores nacidos en su país, entre ellos se destacan Coppland, que recibe las influencias directas del jazz y Vareze, que se intereso por introducir sonidos nuevos en sus composiciones.
En América Latina, la música estuvo influenciada por la tradición cultural europea.
Fue a finales del siglo XIX, cuando comienza a aparecer una música latinoamericana por si misma. Casi todos los compositores latinoamericanos comenzaron como nacionalistas y poco a poco introdujeron en su música las influencias de la música europea.
Entre sus máximos representantes están Villalobos, Chavez, y Ginastera.
La Música después de la Segunda Guerra Mundial
Una de las características de esta guerra fue la creación de 2 bloques internacionales y antagónicos, el comunismo soviético frente al capitalismo de EE.UU.
Este turbulento contexto histórico, tendrá gran repercusión en la actividad artística de la post-guerra; la mas inmediata la emigración de muchos e importantes músicos desde Europa a EE.UU. lo que convertirá a este país en el centro de la música y del arte occidental.
La música experimenta un desarrollo muy rápido y si en la década de los 50's predominan solo 2 tendencias: el serialismo y la indeterminación, en los 60, surgen el minimalistmo, la música textura, la ética, la ambiental, etc...
Por fin una caracteristica importante del desarrollo cultural y musical a partir de la segunda guerra mundial, será la inexistencia de una estética central, además el desarrollo de estas culturas no comunes propiciara a un desarrollo individualista y a la desconexión total.
El espíritu composional de la post-guerra, supondrá un gran aislamiento entre el compositor y el publico. Ahora todo se basa en una secuencia de proporciones melódicas, de duración y sonoridades.
La indeterminación es uno de los desarrollos musicales mas significativos que aparecen tras la segunda guerra mundial, y se basa en la utilización intencionada de la casualidad en la composición y/o interpretación. Muchos de los músicos de esta corriente tenían la convicción de que la música carecía de propósito, de esta forma podían crear estructuras musicales lanzando por ejemplo monedas al aire, o utilizando las cartas de navegación de cualquier barco.
Desarrollo en la Tecnología
Música Electrónica
La primera manifestación de la música asistida por medios electrónicos es la música concreta. Esta música parte del ruido o de los sonidos naturales, al igual que el futurismo.
En 1952, se crea en Alemania el primer estudio exclusivo de música electrónica. Esta música esta exclusivamente creada con sonidos producidos electrónicamente y parte de lo que se llama “tono sinusoidal”, un sonido puro, sin armónicos, que es físicamente desagradable y que hay que elaborar con aparatos muy complicados.
Entre las primeras obras puramente electrónicas encontramos Study I y II del compositor alemán Stockhaussen.
Sin embargo la música electrónica creo descontento en los compositores desde el principio ya que aunque permitía un control exacto y una preescisión absoluta sobre la obra, este resultaba pobre y parecía carecer de vida. Por ello, muchos compositores unieron la música concreta y la electrónica, para crearan genero que goza desde gran popularidad desde entonces y hasta hoy en DIA, la música electroacústica.
El vertiginoso desarrollo de la tecnología a partir de la 2da guerra mundial traerá como fruto la incorporación de sintetizadores y a la música creada por computador o música cibernética.
En nuestros días, el panorama musical mundial se caracteriza por un pluralismo cultural y por la irrupción de las culturas y músicas populares en la vida diaria de todos.
El abismo entre compositor y publico es hoy mas acusado que nunca y la música “culta” parece haberse distanciado de los gustos y preferencias del publico, mas interesados por las músicas mas populares y cercanas, tales como el dock el pop, etc...
A pesar de todo esto no parece probable un cambio de la magnitud que la música viene experimentando a lo largo de todo el siglo XX.
Para que la música cambie, parece que antes el mundo debe cambiar de nuevo...
Tecnopop, Música, género de música de baile producida por medios electrónicos que apareció en Detroit a mediados de la década de 1980 y que obtuvo gran éxito comercial en todo el mundo.
La música tecnopop comenzó con tres amigos (Juan Atkins, Derrick May y Kevin Sauderson) que coincidieron en el Instituto de Belleville (Detroit) en 1984. Juntos crearon música sintetizada que reflejaba la decadencia postindustrial de su ciudad y el aumento de la importancia de la tecnología informática. Atkins utilizó por primera vez la palabra techno para describir sus experimentos con sintetizadores analógicos y digitales. Posteriormente se ha aplicado a una desconcertante variedad de estilos de música de baile. Influido por la música pop electrónica europea (especialmente por el grupo alemán Kraftwerk, primer conjunto que utilizó exclusivamente sonidos sintetizados en su música) y el funk psicodélico de George Clinton y Bootsy Colins, el techno de Detroit creó paisajes futuristas apoyándose en ritmos de danza. Mientras la música house de Chicago (una amalgama de disco, soul y funk) se apoyó en los graves poderosos y en un inamovible compás 4/4, el antiguo techno experimentaba con diferentes parámetros del sonido para producir diversos ritmos y ambientes.
En Estados Unidos la música tecnopop ha sido eclipsada durante mucho tiempo por el estilo hip hop (base de la música rap). En Europa, sin embargo, es un estilo omnipresente tanto en la música de baile comercial como en la underground, y se ha expandido en innumerables formas a partir de 1985.
La invención del fonógrafo por el estadounidense Thomas Alva Edison hizo aún más accesible la música, dado que los consumidores ya no necesitaban poseer conocimientos musicales para disfrutar de la música. Los gramófonos de monedas (antepasados de los jukebox, o gramolas) aparecieron antes de 1900, y a finales de la década de 1920 muchos artistas populares e incluso músicos concertistas habían efectuado grabaciones. La radio, en la década de 1920, y la televisión, a finales de la de 1940, comenzaron a emitir a los hogares la música en directo o grabada. En los lugares públicos, las películas sonoras de finales de los años veinte sirvieron para presentar al público muchos artistas populares y se utilizaron los sistemas de megafonía para emitir música.
A medida que la industria de la música popular se fue extendiendo, fue involucrando a nuevos profesionales de los terrenos de lo financiero, lo legal y lo social. Los compositores y editores han buscado protección en las leyes de los derechos de autoría e interpretación, los músicos profesionales han formado sindicatos para preservar sus salarios y regular las condiciones de trabajo.
El auge de este estilo cambió la función de la música en la vida cotidiana. La música en el hogar, que antiguamente era la diversión de una elite o una forma de vida folclórica, se convirtió en algo habitual de la vida doméstica de la clase media. Los textos de las canciones reflejaron los temas fundamentales de la sociedad, retratando la esperanza, la desesperación, el humor, la frustración, la nostalgia y, sobre todo, el amor. A medida que las ciudades superaban a las áreas rurales en cuanto a población, los estilos de la música popular sirvieron a las necesidades psicológicas como portadores de valores culturales y como frenos a la ineludible presencia de otras gentes.
Influencias interculturales
Los medios de comunicación del siglo XX facilitaron la mezcla de elementos entre los estilos popular, folclórico y clásico, al tiempo que la música viajaba libremente de una parte del mundo a otra. El jazz estadounidense y las danzas de salón de origen africano arrasaron en Europa durante y después de la I Guerra Mundial. La radio y el gramófono introdujeron estilos europeos y americanos en África; esto dio como resultado la música kwela de Suráfrica y el highlife de Ghana y Nigeria.
En Egipto y en el Oriente Próximo la industria del disco propició un estilo vocal popular panárabe basado en los lenguajes folclóricos tradicionales. Los conjuntos instrumentales del sureste asiático y de las islas del Pacífico adoptaron guitarras occidentales. En India, China y Japón los pianos y violines europeos tuvieron un gran impacto y la música popular pronto fue adaptada para su distribución a través de películas y grabaciones.
Índice
Introducción
1. La Prehistoria y las Civilizaciones Antiguas.
2. La música en Egipto.
3. La música en Grecia.
4. La música en Roma.
La Música en la Edad Media.
1. El Canto Ambrosiano.
2. El Canto Gregoriano.
3. La Polifonía.
La música en el Renacimiento.
1. Johann Sebastian Bach.
La música en el Romanticismo.
El Lied.
1. Franz Peter Schubert.
2. Ludwig Von Beethoven.
3. Robert Schumann.
4. Federico Chopin.
Música de Cámara
1. Félix Mendelssohn.
2. Cesar Franck.
El Poema Sinfónico.
1. Franz Liszt.
La Sinfonía.
1. Johannes Brahms.
2. Hector Berlioz.
La Opera en el Siglo XIX.
1. Francia.
ð La Grand Opera.
ð La Opera Comique.
ð La Opera Lírica.
2. Italia
ð Giaccomo Rossini.
ð Gaetanno Donizzeti.
ð Giuseppe Verdi.
3. Alemania
ð Richard Wagner.
Postromanticismo.
ð Richard Strauss.
La música en el Siglo XX.
ð Claudde Debussy.
ð Igor Stravinsky.
ð Bela Bartok.
La Música después de la Primera Guerra Mundial.
La Música después de la Segunda Guerra Mundial.
Desarrollo de la tecnología.
ð Música electrónica.
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Música technopop
-
Música popular
Opinión Personal.
Bibliografía
Bibliografía
-
Iniciación Musical, O.S Bareilles. Editorial Kapeluz. Editado en diciembre de1968.
-
Educación Musical, de Gastón Mathias. Editorial: Sainte Claire. Editado en marzo de 1979
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Enciclopedia Multimedia Salvat año 2000
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Enciclopedia Encarta 2000.
-
Música de Todos los Tiempos, Icarito.
Conclusión
Para concluir y demostrar lo que hemos aprendido a través de la música, sabemos que la música tuvo sus primeros comienzos en la edad de piedra como se puede llamar a esta época, sin tener conocimiento de lo que estaban creando para ellos esto era una forma de poder satisfacer sus necesidad de comunicar sus sentimientos a los demás así como la alimentación etc.
La música evoluciono en una forma muy importante teniendo así grandes compositores y representantes como Mozart, Beethoven los cuales han y sido conocidos por todos nosotros por sus melodías tan célebres. Pero no sólo ellos crearon grandes melodías, si no también importantes autores que prefieren el anonimato.
En resumen para que la música cambie debería también seria necesario cambiar la historia, la música en este tiempo ha sido una forma de liberación para la gente ya que con esta pueden expresar lo que viven y lo que sienten.
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